Najbolj moteči filmi zadnjega desetletja

Avtor Patrick Phillips/26. november 2019 11:44 EDT

Ko bodo napisane zgodovinske knjige, je precej varna stava, da se bodo leta 2010 spustila kot eno najbolj velikih obdobij v kinu. To še vedno velja, čeprav še naprej razpravljamo o dejanski definiciji besede. Toda tudi filmi so bili desetletja tako zelo močni, kot so bili zlasti dobro za filme, namenjene gledalcem nelagodje.

Poimenujemo jih filmi grozljivk ali trilerji ali psihološke drame s socialno-seksualnim podtonom - filmi, ki so v zadnjem desetletju prinesli norost in grožnjo, so to storili z nedvomno neprimerljivim uvidom in umetnostjo. Kot tak se težko zdi celo poskusiti sestaviti en sam seznam najboljših in najslabših desetletij, toda ravno to smo storili tukaj. Od divje nekonvencionalnih znanstveno-fantastičnih plazilcev do zasukanih zgodb o demonski posesti, imamo nekaj, kar lahko vznemiri celo najbolj pametne šinaste cineaste. To so najbolj moteči filmi zadnjega desetletja.



Pod kožo (2014)

Če ste vstopili v zajecljajočo zajčjo luknjo, ki je glasbeni video Jonathana Glazerja, že veste, da ima režiser posebno nagnjenost k premikanju meja z motečimi slikami in zlobnimi toni. Lahko bi celo rekli, da se Glazer spopada zmedeno, kot si upajo le redki režiserji. Potem je naravno, da je še naprej v svoje celovečerce tkal zahtevne slike in moteče teme.

Malokdo bi trdil, da Glazer že ni preizkusil nekaterih resnih meja z leta 2000 hudo kriminalno dramo Seksi zver in psihoseksualna skrivnost iz leta 2004 Rojstvo, a nobeden od teh filmov nas sploh ni mogel začeti pripravljati na to, kako daleč bo Glazer potisnil stvari z letom 2013 Pod kožo.

Gre za celoten napad čutov od njegovih uvodnih trenutkov do zadnjega. Ima odmevne predstave iz Scarlett Johansson to je približno daleč od MCU kot lahko dobite. In da je na pol poti skozi ta film prizor, ki je tako neusmiljeno razburljiv, da se ne boš izklopil. Kar naprej pazite, ker tudi če Pod kožo se pogosto počuti kot v filmu, ki ga preživiš več kot gledaš, prečkanje ciljne črte v tej nezemeljski odisejadi pa je tudi eno najbolj odmevnih kinematografskih izkušenj, ki si jih kdaj upaš doživeti.



Vstopite v praznino (2010)

Argentinski filmski ustvarjalec Gaspar Noé si je skozi leta ustvaril kar velik ugled zase. Bolj kot katerikoli drugi režiser s filmom na tem seznamu je Noé svoje osebno prizadevanje šokirati in izzvati. Zlomil je pamet in potisnil gledalce do meje s hiper-nasilno, čustveno kaznovalno obratno pripovedjo iz leta 2002 Nepovratnatoda zdi se, da je imel v mislih drugačno glavo v svoji tretji ponudbi, halucinatorno psevdo-zagrobno dramo iz leta 2009 Vnesite praznino.

Noé odpre akcijo s francoskim izseljencem, ki se ukvarja z drogami, in se v tokijskem baru sreča s svojimi divjimi halucinogeni. Po smrti se njegova duša izloči iz telesa in meandrira skozi film z neznanim ciljem v mislih. Noé zajame, da je vsak duh, življenjski trenutek duše v polnem načinu POV, njegova kamera je lebdela v trenutke, spomine in molekule kot vsemogočen spekter. In ja, ta krepko slogovni pristop je tako osupljivo bleščeč in imerziven, kot je hudomušno vznemirljiv, saj Noé zavzame mesta za fotoaparate / like, za katere bi si človek morda želel, da jih nikoli ne bi bili. Rezultat je film, ki je prav tako nenavadno pomirjujoč in vznemirljiv za misli, prav tako pa tudi živahno nasprotniški - da ne omenjam tako izmišljujoče izvirnika kot kateri koli film, ustvarjen v preteklem desetletju.

The Babadook (2014)

Ko režiser enega največjih grozljivk v zgodovini kinematografov trdi, da je vaš film najstrašnejši film, kar so jih kdaj videli, veste, da ste storili nekaj posebnega. Tako je bilo, ko je legendarni William Friedkin - mož zadajIzganjalec hudiča - je ljudem začela pripovedovati, da je Jennifer Kent 2014 indie Babadook'prestrašil vas bo hudič,' no, ljubitelji žanra so svet takoj opazili.



Friedkin ni lagal. Ima poseben občutek mračnega, Babadook pripoveduje zgodbo o materi samohranilki, ki se bori z vzgojo sina z nekaterimi resnimi čustvenimi vprašanji. Seveda, glede na to, da je ženin mož umrl na poti do otrokovega rojstva, je jasno, da imata mama in sin nekaj globokih zakoreninjenih vprašanj, ki še dodatno otežita njuno življenje, ko se imenuje grozljiva otroška knjiga Gospod Babadook se pojavi v njihovem domu.

Ko Kent počasi začne odkrivati ​​svoj hudomušni grozljivki, se začne pojavljati presenetljiva pripoved - tista, ki pronicljivo raziskuje težke čustvene teme o preživetih travmah in bojih biti samohranilka s pogubno neusmiljenim primerom depresije. Kot se zgodi, Babadook je tudi prvovrstni film o pošasti z bolj pristnimi strahovi od povprečne žanrske cene. Ja, Babadook te bo 'prestrašil hudič', toda tudi tvoje srce bo pustilo v grlu.

Dedne (2018)

Po besedah ​​pisatelja-režiserja Arija Asterja, njegovega brutalnega šokerja 2018 Dedne je v resnici le mala družinska drama. Toda to je nekako tako, kot da pokličete Čeljusti očarljiva zgodba o ribah iz vode. Tako da, čeprav tega res ne moremo trditi Dedne ni družinska drama, tudi to želimo biti kristalno jasni Dedne ni samo družinska drama.

Še vedno pa drži Asterjeve izjave, Dedne sprva se predstavlja kot netipična vrsta indie drame o družini v žalosti. Ko se film odvija, se na površje začne dvigati globoka, temna preteklost in Dedne spirale, ki se v hipu pretakajo v nadnaravno nočno moro, preprosto morate verjeti. Bodite opozorjeni, da je ne boste mogli nikoli videti Dedne.

Če tega niste izkusili sami, bomo preprosto rekli, da boste vedeli natančen trenutek, ko bo Aster preusmeril pregovorno preusmeritev iz družinske drame v polno družinsko tragedijo. Vedeli boste, ker je trenutek, ki se zgodi, enostavno eden najbolj pretresljivih v zgodovini kina. Aster se ravno v tem trenutku ogreje inDedne bo postajala temnejša in težja na načine, ki jih preprosto ne morete spoznati. To je brutalna, naporna afera, toda če se je uspeš držati Dedne, boste priča ne le enemu izmed velikih grozljivk desetletja, ampak vseh časov.

Poletje (2019)

Z Ari Asterjem Dedne takoj, ko bi postavili mladino in starostnik za žanrje, se je zdelo malo verjetno, da bi kdo v dogledni prihodnosti film vrhunsko postavil v smislu neobvladljivega, z glavo usmerjenega šoka. Zdi se, da je bila edina oseba, ki se je sploh mogla približati, sam Aster. Medtem Poletje se morda ne ujemajo Dedne kar zadeva pretrese in strahove, je morda boljši film v smislu čustvenega vpliva na dušo in neusmiljeno zlovešče energije.

Seveda, slišati Aster, da to pove, Poletje je relativno preprost 'film o razpadu.' Verjemite nam, ko to rečemo Poletje je 'razpadni film' na enak način kot to Dedne je 'družinska drama'. Kar pomeni, da sploh ni film o razpadu.

Zadevna razmerja pripadata Dani (Florence Pugh) in Christianu (Jack Reynor), in če je bil kdaj kakšen par potreben ločitev, so to oni. Vendar v svetu Ari Aster in v mučnih otvoritvenih trenutkih ničesar ni nikoli enostavno Poletje, režiser je zasnovan, da vijake para obsojenega razmerja vrti na vse bolj zasukane načine. Ko se par in njihovi sorodniki pripeljejo na titularni švedski festival, so usode že učinkovito zapečatene - čeprav vas nič ne more niti na daljavo pripraviti na grozno, sončno obsijano Aster, ki je na voljo za preostanek filma.

Melanholija (2011)

Tako kot več filmskih ustvarjalcev s strašljivimi utrinki na tem seznamu je tudi Lars von Trier nekoliko ustvaril sloves ustvarjanja brezsramno konfrontacijskih filmov, ki jih je običajno težko gledati. V preteklih letih so oboževalci in negativci von Trier in njegove filme marsikaj označili. Ne glede na to, ali imate radi ali sovražite njegov osupljivo borbeni (čeprav pogosto osvežujoče drzen in osupljivo lep) pristop kinematografije, se lahko ena etiketa strinja, da so stene filmov Larsa von Trierja običajno prevlečene s kavstično plastjo nihilizma. Njegova znanstvena fantastika iz leta 2011 Melanholija režiserja najde na svoji najbolj nihilistični in tudi na svoji stilski višini.

Film sledi paru sester (najboljše delo v karieri obeh Kirsten Dunst in Charlotte Gainsbourg), pri čemer se vsaka bori, da bi ohranila svoje življenje skupaj, čeprav se je človeštvo pred kratkim zavedalo, da je velik modri planet na poti proti Zemlji in svet kmalu ne bo več obstajal. Ločeno v poglavja, Melanholija se odpre z eno najbolj žalostnih porok, ki so jih kdajkoli posneli. Konča se tako, da se Zemlja dobesedno izbriše. Trenutki vmes ponujajo utrinke ljubeče izoblikovanih trenutkov predobravnavnega blaženosti in enako drzne raziskave življenja sester, ko se naučijo, je konec blizu. Nekje v mešanici von Trier razkošno fotografira, če čustveno izčrpa apokaliptično dramo, ki je tako težko gledati, kot je pogledati stran od nje.

Sinister (2012)

Pred julijem 2016 Doktor Strange, Scott Derrickson je preživel desetletje, preden se je uveljavil med žanrskimi navdušenci. Našo pozornost je pritegnil z dramsko dramo iz leta 2005 Egzorcizem Emily Rose, vendar je bilo leta 2012 Zlovešče ki je dokazal, da je Derrickson grozljivka prvega reda. Čeprav jih je preveč spalo naprej Zlovešče po izidu je še vedno eden resnično učinkovitejših trilerjev, kar jih boste kdaj videli - četudi se malce prepogosto naslanja na klasične grozljive trope.

Film sledi zgodbi izpraznjenega avtorja resničnega zločina (vedno odličnega Ethana Hawkea), ki svojo družino preseli v hišo, v kateri se je zgodil grozljiv zločin, tako da lahko raziskuje dogodke od blizu in osebno. Žal se človek in njegova družina, ko najde na podstrešju staro škatlico filmov Super 8 na podstrešju, približata resnici, kot bi si jo kdo želel.

Bodite opozorjeni, da vas bodo ti 8-milimetrski filmi stali nekaj noči spanja. Vendar so le majhen del tega, kar naredi Zlovešče tak črnoglast užitek. Film je v najboljšem primeru, ko se vali v zlobnih tonih in žgečkljivih gotskih posnetkih, Derrickson pa kar najbolje izkoristi Zloveščegrozljivo auro, sprenevedanje užitka v filmu, ki se počasi opeče, in v finalu potegne kri, obarvano s krvjo, iz gledalcev, ki vas bodo v neomejenem strahu in spodbudnem pričakovanju pokukali skozi znojne dlani.

Surova (2016)

Pogosto je lahko precej težko natančno razvozlati, kaj gre za film, ki vam pride pod kožo. V primeru osupljivega prvega dela Julije Ducournau Surov, to je nekoliko lažje ugotoviti, ker Ducournau v bistvu porabi celoten film, ki traja 100 minut trajanja, sprosti skoraj konstantno potop zvokov in slik ter scenarijev, ki bi ga lahko potencialno sprožili.

Tega ne gre reči Surov je vrhunski šok od milje za minuto. Pravzaprav je ravno nasprotno, ko Ducournau odločno vztrajno pristopi k njenemu filmu, odpravlja pretrese, ko tiho prinaša začarano, nepologetsko seksi koledarsko dramo, ki žanr legitimno obrača na glavo.

Na začetku bi vam morali povedati, da film sledi preizkusom mlade študentke, ki se nepričakovano znajde z nenasitnim apetitom za človeško meso. Pa četudiSurovni vse tisto, kar lahko pričakujete od takšne namestitve, pa bo velik del akcije verjetno obrnil tudi trebuh na glavo. Toda Ducourneau namesto da bi se navdušil nad gory efekti in schlocky strahovi, uporablja humanistični pristop k Surovšokantna zgodba, le s pomočjo gore za krepitev duhovite, pronicljive študije likov, ki postane - kljub vsem očitnim kvotam - prepričljiva (če je pogosto grozljiva) zgodba drame o kanibalizmu.

Barva gorvodnega toka (2012)

Obstajajo filmski ustvarjalci, ki se zanašajo na skakanje in lažno kri, da pridejo pod kožo občinstva, in tisti, ki verjamejo strogim posnetkom, zloglasnim pretiravanjem in iluzijo zloveščega, so prav tako učinkoviti. Shane Carruth iz zadnje šole in Barva zgoraj to več kot dokazuje.

Zdaj vam ne bomo dolgčas skušali razložiti, kaj Barva zgoraj gre le za to, ker bi lahko na to posebej spolzko temo napisali celotne diplomske naloge. Če smo popolnoma iskreni, bi to ponudili Barva zgoraj je film, ki se manj ukvarja s tem, za kaj gre, kot pa s tem, kar te lahko naredi čutiti - in na videz ni konca temu, kar Carruth lahko doseže na določeni fronti.

Do tega trenutka bomo preprosto rekli, da film sledi ženski (briljantni Amy Seimetz), ki - potem ko jo je parazitsko hipnotiziral tat in je celo življenje opustošen - ostane s propadajočo prihodnostjo in nobenega spomina na to, kaj se je zgodilo. S podobno zgodbo sreča moškega (igra ga Carruth), in ko se jalovo trudijo, da bi sestavili svoje posamezne stiske, naletijo na resnico, ki presega domišljijo. Sledi nič manj globokega paranoičnega kinematografskega napada na čute, ki jih je preprosto treba doživeti, da bi lahko verjeli. Samo vedi Barva zgoraj je neizmerno izkušnja, zaradi katere se boste dneve, mesece, tudi leta po prevračanju kreditov praskali po glavi.

Hagazussa (2019)

Postavljeno v izolirano, gorato območje Evrope okoli 15. stoletja, gotska nočna mora Lukasa FeigelfeldaHagazussa se poganja naprej s podledeniškim posnetkom, ki bi bil gotovo videti usmerjen v posnemanje življenjskega tempa v takšni regiji. Medtem ko filmu v celoti uspe ujeti počasen življenjski tempo v hribih, Feigelfeld s tem korakom uporabi tudi hipnotično vrsto uroka nad gledalci.

To se ne bo zrušilo, dokler v zadnjih trenutkih filma ne bodo trepetali želodci. Na poti do brutalnega finala Feigelfeld razgrne črno ljudsko zgodbo o samski ženski s pogansko preteklostjo, ki poskuša preživeti divjino in v sorazmernem miru vzgoji hčerko. Seveda, ko vaši sosedje živijo v nenehnem strahu pred magijo in žganja ter čarovništva, je naravni svet daleč od vašega najbolj nevarnega sovražnika.

Navdušen z neusmiljeno paranoičnim občutkom za umirjenost in dovolj gotskih posnetkov, da je prestrašil Mary Shelley, Hagazussa se izkaže za edinstveno zlovešče rezino žanrskega kina. Medtem ko zagotovo preizkuša potrpežljivost tistih, ki se želijo zadovoljiti s svojim krvolokom s škrlatnimi strahovi, Feigelfeld prinese kladivo s tako visceralno silo v HagazussaKončno dejanje, da film zagotovo preganja misli vseh gledalcev, ki se bodo v prihodnjih letih pripeljali do konca.

Ploščice (2018)

Če nas je zgodovina česar koli naučila, je to, da Hollywood ljubi dobro zgodbo o uporni, biče pametni mladini, ki na splošno tečejo v amok. Medtem ko je klasika všeč Upornik brez vzroka, Oranžna ura, in Pomladni odklopniki Corey Finley's je skozi leta ohranjal večino takšnih vozovnic za vedno visoko Praznokrvni dokazuje, da je še vedno dovolj prostora za rast enega najljubših podžanrov v kinu - tudi če je v teh dneh očitno usojeno temneti.

V središču Finley-jeve črne drame je par najstnikov z zgornjo skorjo v Connecticutu, ki obstajajo na nasprotnih koncih čustvenega spektra. Lily (Anya Taylor-Joy) vse preveč čuti, Amanda (Olivia Cooke) pa ni sposobna čutiti ničesar. Ko se odtujeni prijatelji znova združijo v Finleyevi pripovedi, ugotovijo, da vsak izgublja nadzor nad svojim življenjem in so edinstveno opremljeni, da si med seboj pomagajo.

Ta pomoč prinaša drago ceno, saj en strel pri osvoboditvi deklet vključuje odkrito nasilni načrt. Medtem ko poganja Praznokrvni'Pripovedovanje naprej skoraj ni osrednja točka filma, Finley pa ga namesto tega uporablja za izdelavo prodorne študije likov o paru briljantnih, a tragično zlomljenih mladih umov.

Oči moje matere (2016)

Filmi grozljivk so v bistvu zasnovani tako, da publiko popeljejo v temne kotičke sveta in jim pokažejo neizrečne stvari, ki se tam ponavadi dogajajo. Včasih je ta temni kotiček fizični kraj (glej Teksaški pokol z motorno žago). Drugi čas je to mesto v mislih (glej Celica). Grozljiv prvenec Nicholas Pesce Oči moje matere je redek primer, ko se um in kraj zbližata, da bi raziskala enega najbolj temnih kotičkov, kar jih je bilo kdaj ujetih na filmu.

Oči moje matere se ne začne tako. V resnici so uvodni trenutki filma presenetljivo spokojni, saj dekle in njena družina živijo v sorazmernem miru na osamljeni kmetiji. Toda Pesce že zgodaj v akciji odpelje klanec v tisto idilično življenje. Ko to stori, Oči moje matere zatemni tako, da besede preprosto ne morejo prenesti - načini, ki zagotavljajo, da bo film zažrl v vaše možgane za vse večne čase.

Stavili bomo, da ste slišali šepetanje živih upodobitev filma, nasilja, mučenja in gore. Medtem ko se film (posnet v osupljivi črno-beli barvi) pri upodabljanju takšnih dejanj odvija, se najbolj grozna dejanja ponavadi dogajajo zunaj zaslona - čeprav to le še poveča reakcije gledalcev. Pesce še poglablja temo z uporabo krhke, čustvene lepote zvezde Kika Magalhãesa proti gledalcem v službi obračanja Oči moje matere v prodorno študijo likov o travmi in dušni osamljenosti.

The Blackcoat's Hčerka (2015)

Ko že govorimo o dušni samoti, je glavni krivec pri delu v Ozu Perkinsu (sin sina PsihoAnthony) neusmiljeno blebeta posestni film Črni plašč. Kot rečeno, v filmu obstaja skrivnostna zla sila, ki teče v amoku, ki bi morala ali ne mora imeti dušoČrni plašč osrednjega značaja in jo prisilil k nerazsodnemu nasilnemu dejanju.

Demoni in imetje na strani, osamljenost in osamljenost so resnično gonilne sile Črni plašč. Film se v veliki meri odvija na podlagi katoliške šole za vse deklice nekje na skrajnem oddaljenem severu. Ko se dve dekleti (Kiernan Shipka in Lucy Boynton) na zimskih počitnicah nasedita (ena, ki verjame, da je določena nesreča prizadela njene starše, druga pa se je znašla pred težko izbiro svoje), se stvari zelo hitro začudijo, očitno mlajše dekle očitno obseden z neko nevidno demonsko navzočnostjo.

Medtem vzporedna pripoved najde žalujoči par, ki na avtobusni postaji pobere obupano mlado žensko (Emma Roberts), ne vedoč, da gre za duševno bolnico. Te pripovedi se bodo sčasoma zbližale na hudobno premišljen način in v izjemno srčnem učinku. Perkins na vsakem koraku z enakomerno roko in edinstvenim vidom nadzoruje dogajanje in v vsakem kadru filma gradi zadušljiv občutek atmosferskega strahu. S tem prinaša globoko humanistično nadnaravno tragedijo in enega najtemnejših posestnih filmov, kar smo jih kdaj videli.

mati! (2017)

Obstaja splošna popestritev ante, ki je vgrajen v okvir pripovedi večine grozljivih filmov, ker omenjeni filmi zahtevajo, da so akcije bolj krvave in bolj brutalne, preprosto da bi zvišali stave za znake, ujete v njih. Darren Aronofskys mati! je film grozljivk, ki ga koncept povišanja ante v celoti zaužije, da se skorajda zruši v službi svoje nepremišljene pripovedne ambicije.

Medtem ko je skozi film opazen občutek nelagodnosti in v njem očitno grozljivi trenutki, je verjetno nekoliko nepravično mati! film grozljivk. Če smo popolnoma iskreni, mdrugi! se ne prilega lepo nobenemu žanru - ker v resnici še nikoli ni bilo filma, kakršnega je bil, in še vedno nismo prepričani, kako je Aronofsky posnel tako pogumno prefinjeno predstavo.

Veseli nas, da je to storil, saj Aronofsky besna zgodba o idiličnem obstoju para, ki ga rušijo vse bolj bizarne vdore iz zunanjega sveta, pomeni približno toliko grozo zabavo, ki jo lahko imate v filmu, ki povzroča paniko. Tudi če bomo od Aronofskega z leti pričakovali določeno stopnjo pritiskanja gumbov, mati! ugotovi, da režiser premika meje dlje kot kdajkoli prej. Pri tem je ustvaril mučno kinematografsko alegorijo za razliko od katerega koli filma, ki je prišel prej ... in verjetno vse, kar bo prišlo po tem.

Nightcrawler (2014)

Včasih zgodba, ki jo film pripoveduje, ne toliko olajša, kot jo naselijo liki. Če ste že videli pestro satiro novic o ciklu Dan Gilroy Nightcrawler, dobro veste, da je Lou Bloom eden izmed teh likov. Prav tako veste, da je vzrok, da je lik (in sam film) tako moteč, zaradi nenamerne abrazivne energije Jake Gyllenhaal prinaša v vlogo.

Čeprav je Gyllenhaal deloval v Nightcrawler Akademija je bila prezrta, njegov moral, ker moralno prazni Lou Bloom ostaja ne le ena najboljših predstav tistega leta, temveč njegova hvaljena kariera. Nightcrawler je morda najboljši film, v katerem je igralec igral že kdaj - čeprav je nedvomno najbolj moteč.

Na površini, Nightcrawler je razmeroma preprosta obtožba o mantri 'krvavi, vodi', ki v zadnjih letih prevladuje v medijskem ciklu. Film se odvija med podivjanim podmorjem Los Angelesa in ugotovi, da se Gyllenhaalov Bloom trudi, da bi se uveljavil v svetu svobodnega kriminalističnega novinarstva. Na poti do svojega meteornega vzpona do zloglasnosti Bloom perverzno začne črtati črto med očividcem do tragedije in voljnim udeležencem. Gyllenhaalovo podkrepljeno brezdušno delo, podkrepljeno s piskanjem in režijami od Gilroya, preobrazi Bloom Nightcrawler od satire do celovitega grozljivega predstave o sodobnem vampirju z najbolj mučnim okusom po krvi s fotoaparata.

Neon Demon (2016)

Pred začetkom proizvodnje na Neonski demon, njegov deseti celovečerni film, danski filmski ustvarjalec Nicolas Winding Refn, se je že uveljavil kot eleganten kinematografski provokator na ravni s kolegoma agitatorjema Larsom von Trierjem in Gasparjem Noéjem. S krepko stiliziranimi utripi kot Potisnik, Vozite, in Samo bog odpušča, se je tudi sam od svojih bratov izločil kot filmski ustvarjalec, ki je bil popolnoma obseden s semenskimi dramatikami celuloze, oblečenimi v čudovite, neonsko napolnjene vizualne predstave. Čeprav je celo del Refnovega oboževalca, ostaja ločen film, Neonski demon je v bistvu vrhunec vsega, kar je Refna naredilo tako intrigantno umetniško silo.

Dovolj čudno, Neonski demon ima tudi eno najmanj prepričljivih postavitev Refna: precej mlada ženska se preseli v L.A. v upanju, da bo postala manekenka. Zlobnost, s katero se Refn vrti v tej poenostavljeni postavitvi, ni nič manjše od žanrskega genija, saj mesto in ves seks in obsedeni lepotci, ki ga vodijo, dobesedno uživajo v mladostni življenjski vljudnosti ženske, čeprav poetizirajo, kaj lepota v resnici je. Vizualno prijeten, amoralno domišljiv in pogosto strašno realen, Neonski demon je v bistvu vse, kar Nicolas Winding Refn naredi do 11 let, film pa ga ljubi ali sovraži, ostaja eden najgloblje upodobljenih portretov kulturne kulture, ki so jih filmi kdajkoli predstavili.

sofia hublitz

Moramo govoriti o Kevinu (2011)

Lynne Ramsay's je strukturiran kot skoraj kaleidoskopski pogled na tragedije preteklosti in sedanjosti Moramo govoriti o Kevinu je film, ki se manj ukvarja z mehaniko in motivacijami usodnega dejanja v svojem srcu - množičnega ubijanja v šoli - kot pa z življenji za sabo. Kot tak film velik del svoje pripovedne energije usmeri na mater (Tilda Swinton) in sina Kevina, ki bo nekega dne arhitekt nepredstavljive tragedije.

Film spremlja problematično razmerje para že od rojstva in ugotovi, da Swinton daje eno najlepših predstav v svoji karieri matere, ki obupno poskuša ljubiti svojega sina, tudi ko njegovo psihopatsko vedenje s starostjo postaja bolj izrazito. To je nevarna pokrajina, ko Ramsay spretno hodi po tesnilu med humanizacijo in demoniziranjem Kevina, tudi ko se film trudi najti ravnotežje do tragične matere, ki je v njem vedno videla zlo.

Ko film časovno skače naprej in nazaj, raziskuje posledice nasilja v enakem diskurzu z uvodom, se prijema dušni strah, in Moramo govoriti o Kevinu postane zlomljeno ogledalo, zasnovano tako, da odraža strogo bolezen, ki porablja svet okoli nas. Ramsay pametno ne ponuja nobenega sredstva, namesto tega pa nas pušča, da se zmečamo v zmešnjavi, ki smo ji - kot družbi - usojeni, da se še naprej pospravljamo.